Dirección y guión: Álvaro Pastor y Antonio Naharro.
País: España. Año: 2009.
Duración: 103 min. Género: Drama.
Interpretación: Lola Dueñas (Laura), Pablo Pineda (Daniel), Isabel García Lorca (María Ángeles), Pedro Álvarez Ossorio (Bernabé), Antonio Naharro (Santi), María Bravo (Reyes), Consuelo Trujillo (Consuelo), Daniel Parejo (Pedro), Lourdes Naharro (Luisa), Catalina Lladó (Pilar), Susana Monje (Nuria). Producción: Julio Medem, Koldo Zuazua y Manolo Gómez Cardeña.
Música: Guille Milkyway. Fotografía: Alfonso Postigo. Montaje: Nino Martínez Sosa. Dirección artística: Inés Aparicio. Vestuario: Fernando García.

La película plasma la singular relación que surge entre Daniel un chico con síndrome de down y Laura, una chica que no lo tiene. Daniel no es un caso común sino todo lo contrario, ya que ha conseguido sacarse una carrera universitaria y es más espabilado que mucha gente llamada normal. Daniel entra a trabajar en los servicios sociales de la Comunidad Andaluza en Sevilla y allí queda prendado de Laura, una chica teñida de rubia, muy desenvuelta y deslenguada, de las que se ponen el mundo por montera, y ahoga sus problemas en litros de alcohol y remolinos de polvos.

La trama central es esa. ¿Es posible una relación de amor entre Daniel y Laura?. Vemos que lo siente Daniel hacia Laura es algo evidente, pero no sabemos lo que Laura siente por Daniel, ya que puede tratarse de amor, compasión, curiosidad, mera diversión, etc.

Al margen de esta historia principal, hay otras dos. Algo que le sucedió en su día a Laura con su padre y que ha marcado la existencia posterior de esta y la relación que emprenden una pareja de jóvenes ambos con síndrome de down, y las repercusiones que esto puede tener en sus respectivas familias. En estas dos historias no se ahonda demasiado, centrándose más en la historia de amor de la pareja protagonista, que resulta convincente merced a las esforzadas interpretaciones tanto de Lola Dueñas (Laura) como del novel Pablo Pineda (Daniel). No creo no obstante que su actuación sea tan excelsa como para llevarse la Concha de plata al mejor actor en la 57ª edición del festival de San Sebastián.

La historia tiene esa vena social que trata de meter el dedo en la llaga, en este caso abordando la situación de las personas aquejadas con síndrome de down, a quienes raras veces vemos por ahí haciendo vida normal, recluidos en sus casas o en asociaciones. Con cámara en mano algunas secuencias parecen propias de un documental. Me gustaría a mí saber qué sensaciones han experimentado viendo esta películas las personas que tienen algún familiar con síndrome de down. Ajeno a esta problemática, agradezco la propuesta de Álvaro Pastor y Antonio Naharro que pudiendo haberse decantado por otros temas, han escogido este, un tema que puede escocer, y generar algo de debate.

Título original: Precious: Based on the novel ‘Push’ by Sapphire.
Dirección: Lee Daniels.
País: USA. Año: 2008.
Duración: 109 min.
Género: Drama.
Interpretación: Gabourey Sidibe (Clareece “Precious” Jones), Mariah Carey (Sra. Weiss), Lenny Kravitz (John), Susan L. Taylor, Mo’Nique (Mary), Paula Patton (Srta. Rain), Sherri Shepherd, Stephanie Andujar (Rita), Chyna Layne (Rhonda), Angelic Zambrana (Consuelo).
Guión: Damien Paul; basado en la novela “Push” de Sapphire. Producción: Lee Daniels, Sarah Siegel-Magness y Gary Magness.
Música: Mario Grigorov. Fotografía: Andrew Dunn. Montaje: Joe Klotz. Diseño de producción: Roshelle Berliner. Vestuario: Marina Draghic

Precious no lo ha tenido fácil. A sus 16 años su padre la ha violado desde su más tierna infancia. A resultas de lo cual tiene una niña con síndrome de down y otra en camino. Todo ello ante la mirada impasible de su madre, la cual la llama puta acusándola de haberle robado su macho, desairada porque “su hombre” ha tenido más hijos con su hija que con ella (Precious es hija única). A esto hay que sumar que Precious es golpeada por su madre, insultada, vejada, zarandeada por los jóvenes del barrio que la llaman ballena, sin encontrar nada a lo que aferrarse, de ahí que la idea de desaparecer del mapa no se la antoje como una mala opción.

Salir de ese pozo de mierda no es fácil y si hay quien lo consigue gracias a la música (muchos merced al rap), al teatro (como ese grupo de gitanas que interpreta ahora La casa de Bernarda de Alba por territorio nacional), otros lo logran gracias a la educación. Todo gran viaje comienza con un gran paso y en llevar a la práctica ese axioma, se afana la Srta Rain, una profesora con Precious, la cual tiene un talento especial para las matemáticas, y quien desde joven ha reflexionado sobre las palabras que le dedica su madre, llamándola ignorante, imbécil, inútil, creyendo que puede haber algo más que pasar el día encerrada en casa, planchando el culo sobre una silla, bebiendo y fumando frente a un televisor, sin buscar trabajo, mantenida gracias a los cheques de la seguridad social,como hace su madre, espejo (roto) en el que no conviene mirarse.

Al quedarse de nuevo embarazada es expulsada de su centro y va a parar a un edificio donde se imparte una educación especial, donde Precious y otras jóvenes de lo más variopinto, podrán aprender a leer y escribir, puediendo así acabar secundaria y quien sabe si acceder a la universidad. Al igual que en la película Diarios de la calle, se manifiesta el cambio que supone en una persona saber leer y escribir. De esta manera a través de sus lecturas y sobre todo de sus escritos Precious, es capaz de ordenar sus ideas, sus anhelos, de plasmar en un folio sus sueños, sus miedos, su atroz pasado, de tal manera que una vez planteado el problema pueda buscarle una solución y a pesar de su corta edad, tomar las deciones pertinentes que le hagan prosperar y apartarse de todo lo vivido hasta entonces, cortando los lazos familiares.

A fin de aliviar algo el ambiente irrespirable en el que se mueve Precious, hay ciertos momentos surrealistas donde Precious fantasea, reemplazando lo realidad por lo anhelado; como una madre que la quiera, un espejo que le devuelva una figura blanca, rubia y estilizada, un profesor de matematicas que le haga morritos, o verse en una plataforma aclamada por todos, cegada por los flashes de las cámaras, con atractivos jóvenes que se mueran por sus huesos. En un momento determinado incluso vemos a madre e hija hablando italiano, reemplazando a Sofia Loren (en la película Dos mujeres).

Como reclamo aparecen gente muy conocida como Mariah Carey y Lenny Kravitz, la primera como funcionaria de los servicios sociales y el segundo como enfermero. Los papeles protagonistas son para Mo´nique y Gabourey Sidibe, las dos estupendas en sus trabajos, los cuales han sido avalados con multitud de premios, Oscar incluidos.

Dirección: Jon Harris.
País: Reino Unido.
Año: 2009.
Duración: 88 min.
Género: Terror.
Interpretación: Shauna MacDonald, Natalie Jackson Mendoza, Krysten Cummings, Gavan O’Herlihy, Douglas Hodge. Guión: J. Blakeson, James McCarthy y James Watkins. Producción: Christian Colson e Ivana Mackinnon. Música: David Julyan.
Fotografía: Sam McCurdy.
Montaje: Jon Harris.
Diseño de producción: Simon Bowles.
Vestuario: Nancy Thompson.

Si The descent, la película precedente me gustó y mucho, ésta apenas me ha gustado. La primera lograba mantener la tensión y en especial el encuentro con las bestias que moraban en el interior de las cuevas era terrorífico. Esta segunda parte es la típica producción donde se trata de rentabilizar algo que dio buenos resultados, tirando del hilo sin orden ni concierto, con muchas ganas de hacer dinero pero visto lo visto, con muy pocas ideas.

En la primera parte, del grupo de chicas veíamos como una de ellas Sarah, salía el exterior con vida. Pues bien, tras llegar a una carretera, un señor la recoge en una furgoneta para ser poco después hospitalizada. No recuerda nada. La policía, mientras, anda buscando a las chicas desaperecidas, y sin tiempo de que Sarah se recomponga de lo sucedido, el alguacil le hace ponerse el mono de trabajo para volver al mismísimo infierno; las entrañas de la tierra, de la que hace pocas horas ha sido parida. Así que a Sarah le acompañará un grupo de rescate de lo más pardillo, y dos policías que sobre su uniforme se ponen el traje de espeleólogo, y !ala! a funcionar, sin que tengan mucha pinta de haber pisado nunca una cueva.

Dentro de la cueva, se sucederán las cosas como están previstas. Sarah recordará que allí abajo vivían unos animales con aspecto de simio pero con cartílagos en lugar de pelo, de uñas afiladas que cortan la carne, como la tijera el papel y a quienes les gusta la carne humana muy poco hecha, más que a un ministro su cartera. Toca por tanto sobrevivir. No falta tampoco alguna sorpresilla que otra para darle algo de vidilla a la historia.

Si la primera parte no era nada ñoña, esta segunda lo es menos todavía, y las mujeres exacerbadas por el hálito de la muerte que las ronda, se dejan arrastrar por una espiral de violencia, que las precipita hacia la enajenación, una vez bañadas o bien en excrementos o en sangre ajena, con unos momentos gore de lo más salvaje.

El final, es lo mejor de todo, porque ahí el guionista se luce, para dejar la historia bien atada, aunque nunca se sabe, pues la resurrección siempre queda abierta en esta clase de pelis.

Título original: Das weisse band. Dirección y guión: Michael Haneke. Países: Alemania, Austria, Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 144 min. Género: Drama. Interpretación: Leonie Benesch (Eva), Josef Bierbichler (encargado), Rainer Bock (doctor), Christian Friedel (maestro), Burghart Klaussner (pastor), Steffi Kühnert (Anna), Ursina Lardi (Marie Louise), Susanne Lothar (comadrona), Gabriela-Maria Schmeide (Emma), Ulrich Tukur (el barón). Producción: Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Margaret Menegoz y Andrea Occhipinti. Fotografía: Christian Berger. Montaje: Monika Willi. Diseño de producción: Christoph Kanter. Vestuario: Moidele Bicke

El gran Michael Haneke ha vuelto para ofrecernos una obra de arte. Con gran maestría el director austriaco, nos presenta la vida diaria de una pequeña aldea rural, en los años previos a La Primera Guerra Mundial, donde aparentemente reina la paz y la concordia. Todo esto es pura fachada. Ya de entrada el médico del pueblo cae de su caballo al tropezar este con un alambre dispuesto entre dos árboles. A resultas de aquello el médico pasará un tiempecito sin trabajar recuperándose de las lesiones sufridas. Eso solo es el comienzo, dado que se sucederán los maltratos contra un par de niños, uno de ellos el hijo del Barón, cacique local que ocupa en sus terrenos a buena parte de la población local, y quien sin ostentar el distintivo de popular es cuando menos respetado.

Los niños son todos angelicales, blancos y rubios, pero todos ellos tienen una mirada, que parecen el mismísimo diablo bajo piel de querubín. El pastor protestante local tiene entre la miríada de vástagos un par de diablillos, a quienes la disciplina, el rigor, el orden y los castigos físicos impuestos, no logran meter en vereda, muy a su pesar, pero en quien prevalece más el sentido de protección que el de justicia, tan humano en definitiva como todos por muy pastor que sea.

La película está rodada en blanco y negro y su dureza es manifiesta. La semilla del mal ha germinado en ese poblado, y sin recrearse Haneke deja fuera de campo muchas cosas, lo cual hace la situación más insostenible, más asfixiante, como si esa porción de tierra, fuera un erial regado por veneros de maldad, donde reinase la envidia, el odio, la venganza, la crueldad, en un bucle del que es imposible salir, llegando inclusive a dinamitar la única inocencia que existe, la del niño Karli, con sindrome de down.

Si esto es el origen de lo que vendría después, el auge del nacionalsocialismo, el triunfo de Hitler y su plan de extermino judío, puede ser estudio de análisis. Lo que si que nos deja Haneke es una formidable aproximación a la maldad humana, a ese reverso oscuro, poco iluminado donde moran las serpientes inoculadoras del veneno del mal, todo ello perfectamente interpretado, con un climax que se mantiene desde que oímos la voz de ese hombre mayor, que quiere aportar algo de luz sobre lo que ocurrió esos años, en los que él era el profesor local.

Mejor Película:

- ‘The Hurt Locker‘

Mejor Director:

- Kathryn Bigelow, por ‘The Hurt Locker‘

Mejor Película Extranjera:

- ‘El secreto de sus ojos‘ (Argentina)

Mejor Actor:

- Jeff Bridges, por ‘Crazy Heart’

Mejor Actriz:

- Sandra Bullock, por ‘The Blind Side’

Mejor Actor Secundario:

- Christoph Waltz, por ‘Inglourious Basterds’

Mejor Actriz Secundaria:

- Mo’Nique, por ‘Precious‘

Mejor Película Animada:

- ‘Up’

Mejor Corto Animado:

- ‘Logorama’, de Nicolas Schmerkin

Mejor Guión Original:

- ‘The Hurt Locker’, de Mark Boal

Mejor Guión Adaptado:

- ‘Precious‘

Mejor Canción Original:

- The Weary Kind, ‘Crazy Heart’

Mejor Banda Sonora:

- ‘Up’, de Michael Giacchino

Mejor Corto con Actores

- ‘The New Tenants’

Mejor Corto Documental

- ‘Music by Prudence’

Mejor Documental:

- ‘The Cove’

Mejor Mezcla de Sonido:

- ‘The Hurt Locker’

Mejor Edición de Sonido:

- ‘The Hurt Locker’

Mejor Montaje:

- ‘The Hurt Locker‘

Mejor Cinematografía:

- ‘Avatar‘

Mejor Efectos Visuales:

- ‘Avatar‘

Mejor Dirección de Arte:

- ‘Avatar‘

Mejor Maquillaje:

- ‘Star Trek’

Mejor Vestuario:

- ‘The Young Victoria’

Visto lo visto En tierra hostil, a pesar de pasar por el Festival de Venecia sin pena ni gloria, haber costado 10 millones y recuado poco más, se lleva los premios más importantes. Merecido. La película es una aproximación a la guerra Irak creíble.
Jeff Bridges todo un clásico se lleva el Oscar al mejor actor. Nos alegramos por El secreto de sus ojos, un peliculón, que pasó sin pena ni gloria por el Festival de San Sebastián, en su última edición. Sorpresa ver a Sandra Bullock, nominada y ganadora, nada que del Oscar a la mejor actriz. Christoph Waltz, por ‘Inglourious Basterds’ merecido galardón por un papel a recordar.
De Crazy Heart y The Blind side, no podemos pronunciarnos pues todavía no las hemos visto.
El Oscar de Mo´nique por su papel de madre demoniaca en Precious, merecido. Hacía tiempo que no veía a una mujer tan mala en pantalla.
La patria Penélope Cruz se queda sin Oscar, algo lógico pues su papel en Nine, es una caricatura, si bien la candidatura le ayudará en su carrera, aunque a estas alturas no creo que le haga mucha falta.
Buena noticia que el Oscar para el mejor director haya recaído en manos de la directora Kathryn Bigelow,siendo la vez primera vez en la historia que este galardón recae en manos de una mujer. Lo que no me explico es que Viggo Mortensen no estuviera nominado por su espectacular papel en The Road.

Año: 2006
Título original: Ich bin die Andere
País: Alemania
Dirección: Margarethe von Trotta
Intérpretes: Katja Riemann, August Diehl, Armin Mueller-Stahl, Barbara Auer, Karin Dor, Bernadette Heerwagen
Guión: Peter Märthesheimer, Pea Fröhlich
Música: Christian Heyne
Fotografía: Axel Block
Duración: 100 min. Género: Drama

La película muestra una galería de personajes a cual más peculiar. Tenemos a un padre en un silla de ruedas, quien somete psicológicamente y sexualmente a su vástaga, la cual tiene doble o triple personalidad, a saber, a consecuencia de un trauma infantil, después de ver a su padre fornicando con su asisente entre barriles de roble, una esposa que hace la vista gorda mientras se lo monta con su secretario y un ingeniero que se enamora de la hija desdoblada, de quien se enamora en un hotel, una noche que la mujer anda por allí embutida en un vestido rojo que deja al descubierto sus curvas derrapantes, buscando alguien que la arrulle. El ingeniero caerá en las redes de la mujer, llevándolo al desquiciamiento más absoluto. De relleno unas cuantas conversaciones supuestamente trascendentes sobre cómo cambiar el mundo, la pérdida de valores, etc, etc, todo ello en boca de un hombre que se define a sí mismo como un monstruo (con el rostro de Armin Mueller-Stahl).

La hora y media larga que dura se hace bastante larga, y si en un comienzo parece que lo que vamos a ver es un thriller sexual, luego los acontecimientos lo desmienten, ya que nos enfrentamos ante un “amor fou“, donde un hombre es capaz de sucar mares y mover cielo y tierra en busca de su amada, o más bien en busca de una pasión, de un reflejo, de un aroma, de un perfume porque la amada resulta bastante inasible, marcado su destino, por culpa de su padre.

Reiterativa y aburrida, con unos personajes que transmitan bastante poco, la película deviene un embrollo de matices psicólogicos, malograda, perdido todo su caudal narrativo en naderías.

‘HABITACIÓN EN ROMA’ es la nueva película de JULIO MEDEM cuyo estreno está previsto para la primavera de 2010.

SINOPSIS DE ‘HABITACIÓN EN ROMA’
Una habitación de hotel en el centro de Roma es el escenario interior en el que dos mujeres jóvenes que se acaban de conocer, se internan juntas en una aventura física que les tocará el alma.
Todo transcurre en una noche y en las primeras horas de la mañana de un día del comienzo del verano de 2008, antes de que Roma lance a cada una de ellas al lugar al que pertenecen; por la tarde Alba volará a España, y Natasha a Rusia.
La habitación del hotel, que parece haberlas estado esperando siempre con la emoción de la Historia incrustada en sus viejas paredes, sugestiona una atmósfera cargada de erotismo y sensualidad, con una extraña fuerza que engancha sus miradas apuntando hacia lo desconocido. Nacen sentimientos nuevos que Alba y Natasha aceptan, y al mismo tiempo quitan importancia hablándose con soltura y buen humor. Un pacto natural de ligereza que propicia situaciones tan cómicas como enigmáticas, antes del ataque inesperado de un amor punzante como una flecha lanzada desde lo alto. Durante doce horas, de noche y de día, estas dos mujeres desvelarán sus vidas, primero ocultándose y protegiéndose por miedo a la atracción sin retorno, luego dejándose acompañar hacia el paisaje desconocido de la otra, habitado por sus compromisos y el amor sincero hacia sus respectivas parejas; en el caso de Alba, una mujer que tiene dos hijos; y el de Natasha, su profesor de Renacimiento con el que se va a casar la próxima semana.
Ambas girarán sobre sí mismas hasta ponerse boca arriba mirando juntas hacia otra verdad, un abismo compartido, el secreto guardado en una habitación en Roma, una sorpresa del tiempo anterior que les adelanta, un regalo del destino para que hagan con él lo que más deseen. Así nace para ellas su nueva libertad.

FICHA ARTÍSTICA:
ELENA ANAYA (Alba), NATASHA YAROVENKO (Natasha), ENRICO LO VERSO (Max), NAJWA NIMRI (Edurne).

FICHA TÉCNICA:
Guión y dirección: JULIO MEDEM. Productor: ÁLVARO LONGORIA. Producción ejecutiva: JULIO MEDEM. Coproductores: CRISTINA ZUMÁRRAGA y KLARA BEVERLY. Directora de producción: CRISTINA ZUMÁRRAGA. Director de fotografía: ÁLEX CATALÁN. Directora de arte: MONTSE SANZ. Sonido directo: JUAN BORRELL. Música: JOCELYN POOK y RUSSIAN RED. Vestuario: CARLOS DÍEZ. Maquillaje y peluquería: SUSANA SÁNCHEZ. Montaje: JULIO MEDEM. Ayundante de dirección: SARA MAZKIARAN. Foto fija: DIEGO L. CALVÍN. Localizaciones: Madrid y Roma. Formato: HDCam, rodado con la cámara de vídeo digital Sony Red One.
Fechas de rodaje: 26 de enero - 27 de febrero de 2009.
HABITACIÓN EN ROMA es una producción de MORENA FILMS y ALICIA PRODUCE
con la participación de TVE y CANAL +.

Vía | Julio Médem

Seguro que la película da que hablar, pues parece que habrá secuencias subidas de tono (no es habitual ver a dos mujeres manteniendo relaciones sexuales entre ellas en la gran pantalla. Máxime si una de ellas es Elena Anaya). Tras ver la anterior película de Medem (para mí un despropósito) uno no sabe bien a que atenerse, pero lo claro es que veremos Room in Rome, para después comentarla con todos vosotros. Tanto el cartel de la película como el trailer son de los que dan que hablar.

Título original: Armored. Dirección: Nimród Antal. País: USA. Año: 2009. Duración: 85 min. Género: Thriller, acción. Interpretación: Matt Dillon (Bill Cochrane), Jean Reno (Quinn), Laurence Fishburne (Baines), Amaury Nolasco (Palmer), Fred Ward (Ashcroft), Milo Ventimiglia (Eckhart), Skeet Ulrich (Dobbs), Columbus Short (Ty Hackett). Guión: James V. Simpson. Producción: Joshua Donen y Dan Farah. Música: John Murphy. Fotografía: Andrzej Sekula. Montaje: Armen Minasian. Diseño de producción: Jon Gary Steele. Vestuario: Maya Lieberman

Un grupo de hombres cuya misión es conducir unos blindados, tiene un día la peregrina idea de hacerse con el dinero que transportan, esconderlo y hacer pasar el robo por un asalto. Todos están convencidos con el plan, que les parece perfecto, menos uno de ellos, que no ve la cosa clara. Si no hay que recurrir a la violencia no le parece mal del todo (ya que establece una línea clara entre ser un ladrón y ser un asesino) y su situación no es buena, ya que los servicios sociales quiren quitarle la custodia de su hermano pequeño.

Así que el grupo conducirá los dos furgones blindados hasta una fábrica abandonada donde tendrán lugar toda clase de incoveniencias, que harán que lo que mal empieza mal acabe.

La idea como se ve no es muy original, y el robo al final es lo de menos, lo que prima es qué hacer ante una situación parecida. Habrá quien se arredre, quien mantenga los nervios y no pierda la compostura, quien enseguida se líe a disparar, incluso quien no tenga reparo en acuchillar a su mejor amigo. Todo por el dinero. Eso sí, cuando ya todo se les va de las manos, todavía son incapaces de obrar con cierta coherencia, y totalmente enajenados se pierden en venganzas, que resultan letales.

Si la película tendrá algo de repercusión, más que por lo que se nos cuenta, o como se nos cuenta es porque el elenco lo forman gente como Laurence Fishburne, Matt Dillon, Jean Reno, Milo Mentimiglia, Skeet Ulrich y Columbus Short. No resulta de todos mal su visionado un mal plan para pasar una tarde ocupando hora y media de nuestro tiempo sin muchas complicaciones, gozando con un producto bien rodado.

Dirección: Sven Taddicken.
Título original: Emmas glück País: Alemania.
Año: 2006. Duración: 99 min.
Género: Tragicomedia.
Interpretación: Jördis Triebel (Emma), Jürgen Vogel (Max), Hinnerk Schönemann (Henner), Nina Petri (Dagmar), Martin Feifel (Hans), Karin Neuhäuser (Lene), Arved Birnbaum (Karl).
Guión: Claudia Schreiber y Ruth Toma; basado en la novela de Claudia Schreiber.
Producción: Ralph Schwingel, Stefan Schubert y Hejo Emons.
Música: Christoph Blaser y Steffen Kahles.
Fotografía: Daniela Knapp. Montaje: Andreas Wodraschke.
Dirección artística: Peter Menne. Vestuario: Ute Paffendorf.

El tema de la película es parecido en cierta manera al de Mi vida sin mí. Ya de entrada sabemos que el protagonista va a morir porque le han diagnosticado un cáncer de páncreas. En la película de Coixet la protagonista optaba por dejar las cosas bien atadas cuando ella no estuviera, sin rehuir ni dejar de mirar de frente a la parca. En La suerte de Emma, nuestro protagonista, Max, trata de suicidarse con su coche. Colisiona contra un quitamiedos, cae por un terraplén y acaba sobre la granja de Ema, una mujer que vive sola al cuidado de sus gorrinos y gallinas. Sucederá lo inevitable. Entre los dos surgirá un amor que tiene fecha de caducidad, lo cual no es óbice para que ambos se entreguen con pasión, exprimiendo con fruición ese período corto de tiempo, que estarán juntos, ante el deterioro inexorable de él y un final que hila con la secuencia inicial, dando buena cuenta de la forma de ser de Emma, mujer currante y aguerrida, de fuerza descomunal e inmenso corazón.

El gran acierto de la película a mi entender es que no cae en la sensiblería, lo cual hubiera sido lo más fácil, tampoco en el ridículo, porque a pesar de que la historia no deja de ser fantasiosa (nada menos que un alunizaje rural), nos hace comulgar con ella, seducidos por unos personajes entrañables y cercanos.
Con escaso presupuesto y un buen guión, es posible contar bellas historias, como hace Sven Taddicken, joven director alemán de 36 años que nos ofrece una deliciosa historia de amor, que sin dejar de lado el ansia de vivir, reivindica una muerte digna, que espantará a muchos, “es peor el miedo a morir, que la muerte misma” dice Emma mientras despacha un cerdo al que degolla con amor, al comienzo del film, sin hacerlo sufrir, acogiéndolo en su regazo, sin berridos estremecedores que destruyan el clima pastoril que se respira.

Director: Pierre Morel
Guión: Adi Hasak (guión) Luc Besson (argumento)
Elenco: John Travolta (Charlie Wax) Jonathan Rhys Meyers. (James Reece) Kasia Smutniak (Caroline) Richard Durden (Ambassador Bennington) Yin Bing (M. Wong) Amber Rose Revah.(Nichole)
País: Francia
Año: 2010
Duración: 92´
Música original: David Buckley
Fotografía: Michel Abramowicz
Montaje: Frédéric Thoraval

Esta película es una gamberrada de cuidado. Quien conozca a Luc Besson, detrás del guión, sabrá que clase de película nos disponemos a ver. Sin mucho orden ni concierto lo que la película ofrece es un recital de muertes de todo tipo, persecuciones alocadas, balaceas varias, explosiones, todo ello de la mano de Waxun tipo chiflado con el cuerpo de John Travolta, que rasura su poco pelo para la ocasión y que es una máquina de picar carne humana.

La historia no hay bien por donde amarrarla, y el guión viene a ser lo de menos. La cosa va de James, un ambicioso joven que trabaja en la Embajada Americana en París, el cual quiere medrar. Para ello accede a relizar pequeños trabajillos de escasa relevancia para un voz telefónica. Hasta que un buen día recibe el encardo de ir al aeropuerto parisino a sacar de una sala a Wax que está allá armando la de Dios es Cristo, a cuenta de unas latas que quiere entrar en el país, con la negativa de los funcionarios franceses.

Luego James y Wax irán recorriendo París, sembrando el asfalto de cadáveres, primero repartiendo estopa a las mafias asiáticas y luego a las paquistaníes. Wax es un tipo expeditivo, que a pesar de estar rollizo se mueve con desenvoltura ya sea pergeñando acrobacias circenses o correteando por los tejados cual gato en celo tras su amada. Como contraposición al turbulento y belicoso Wax está James, que es el analista, el tipo pensante y reflexivo que rehuye la violencia, las drogas, pero quien tras estar expuesto al “efecto Wax“, le acabará cogiendo el gusto a las armas y a la vida loca, es un decir.

El director es Pierre Morel, que me deleitó en su día von Venganza. Aquí también hay buenas dosis de adrenalina para 92´que se pasan en un santiamén. Al igual que en películas como Transporter, Crank, Shoot em up, o la citada Venganza, el ritmo hiperacelerado es el común denominador de todas ellas, con dispares resultados. Sin llegar a la contundencia de Venganza, este producto palomitero seguro que no defrauda las expectativas de los Bessonianos.

La bella Caroline es la actriz Kasia Smutniak, que quizá os suene si habéis visto Caos Calmo (sí, era la que salía al parque a pasear el perro bajo la atenta mirada de Moretti), Caos o La vida ante sus ojos.